Tuesday, April 03, 2018

Snatch

-"¿Algo que declarar?"
-"Sí, no vayas a Inglaterra."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de delincuentes de Londres tratan de conseguir un diamante, mientras sus caminos se van entrecruzando entre combates de boxeo, robos, asesinatos, apuestas ilegales y cerdos.

DIAMANTES
Tras el éxito de Lock and stock (1998), Guy Ritchie se lanzó a la dirección de su segunda película, la cual se encontraría en las mismas coordenadas cinematográficas que su ópera prima. "Hice la segunda película porque tenía tantas historias mientras hice la primera, que pensé que habría sido un crimen no aprovecharse de eso," declaraba Ritchie. Y es que el director tenía un gran interés en realizar, "una película en la misma línea. Por esa razón, y para un director que quiere consolidarse y hacer su siguiente película con estrellas más grandes, era el siguiente paso a dar."  
Con un guión propio de Ritchie, el cual le llevó sólo 3 meses escribirlo, nació Snatch (Snatch, 2000), conocida originalmente como "Diamonds".
La película contó con un presupuesto mayor que Lock and Stock (6 millones de libras frente a las 960.000 de aquella). Y SKA Films (productora de Guy Ritchie y Matthew Vaughn) y Columbia Pictures serían las encargadas de financiar la película. Siendo Vaughn el productor asignado a la misma.
Tiene tanto en común con su primera película que el director admitió que, "en un punto, estuve cerca de usar el reparto completo de Lock and stock otra vez." Aunque al final dio cabida a nuevos (e internacionales) actores, pese a que no fue fácil reunirlos. "Nos llevó mucho tiempo encontrar las caras correctas, tuvimos que ver a cientos," declaraba Vaughn. Y el tiempo mereció la pena porque reunieron un reparto fantástico.
Para el papel del Turco, Ritchie volvió a contar con su amigo Jason Statham, tras trabajar juntos en Lock and stock. El actor cobró un cheque de 15.000 libras por su participación en la película. Inicialmente era un pequeño papel, pero durante el proceso de producción fue teniendo más protagonismo y durante la post-producción se convirtió en el narrador de la película.
El papel de Mickey O'Neil estaba previsto que lo interpretase Vinnie Jones, pero terminaría recayendo en Brad Pitt. El protagonista de Doce monos contactó con Ritchie después de ver Lock and Stock, y le dijo que quería participar en su siguiente película, así se hizo con el papel de Mickey. El actor era muy diferente al personaje grande, gordo y de aspecto griego que Ritchie había escrito, pero según éste, "funcionó mágicamente porque era realmente lo opuesto." Fue idea del actor el lenguaje incomprensible de Mickey, el cual tomó del personaje de Benicio Del Toro en Sospechosos habituales. "Estaba a 3 días de empezar con esto y entré en pánico. No podía imaginar lo que suponía debía hacer y lo saqué de Benicio. [...] Fue el primero que hizo bien el ser incomprensible y así, pidiéndoselo prestado, sí que salió adelante y funcionó para nosotros," recordaba Pitt. Y según contaba Statham, para prepararse para el papel el actor fue a campamentos de gitanos y pasó tiempo con ellos para saber como vivían.
Y hablando de Benicio Del Toro, el puertorriqueño sería quien daría vida a Franky Cuatro-Dedos. El actor sólo trabajó en la película durante dos semanas.
El papel de Brick Top se le ofreció originalmente a Sean Connery. Al actor escocés le gustó el guión y tuvo interés en ver Lock and stock, por lo que Vaughn arregló una proyección para el actor. Tras ver la película, Connery dijo que le gustaba, pero soltó un, "no vais a poder pagarme," y así rechazó participar en Snatch. Dave Courtney también rechazó el papel y terminaron contratando a Alan Ford.
El papel de Avi le fue ofrecido a Dennis Farina, cuando el actor recibió el guión vio de nuevo Lock and stock y de inmediato aceptó el papel.
Ade, quien iba a ser uno de los guardas de seguridad de la producción, fue convencido por Ritchie para que asumiera el papel de Tyrone, siendo su debut en el cine.
El resto de actores de extenso reparto lo componen, Vinnie Jones (Tony), Rade Serbedzija (Boris el navaja), Mike Reid (Doug el cerebro), Robbie Gee (Vinny), Lennie James (Sol), Ewen Bremner (Mullet), Jason Flemyng (Darren), William Beck (Neil) y Andy Beckwith (Errol).

RODAJE
El rodaje comenzó el 18 de octubre de 1999 y terminó el 12 de diciembre del mismo año, teniendo lugar en diferentes localizaciones de Londres. Sólo se alejaron un poco para rodar las escenas de la casa de Boris, las cuales tuvieron lugar en Perivale, a las afueras de Londres. Por su parte, las escenas de interior se rodaron los Pinewood Studios.
Las diferencias entre americanos e ingleses produjo problemas de entendimiento durante el rodaje, ya que aunque compartan un mismo idioma, existen diferencias entre ambos. "No tenía ni idea de lo que estaban diciendo," admitía Farina. Aun así, reinó un gran ambiente durante la filmación entre todos los implicados.
Tanto es así, que Ritchie impuso una serie de multas de broma en el set para que reinase el buen ambiente y el orden. Había multas desde por llegar tarde, por ser aburrido, por tomar una siesta en el set y hasta por quejarse. "Me multaron con 50 libras porque mi móvil sonó, aunque no estaba trabajando en ese momento," comentaba Statham.
El único que realmente causó problemas fue el  perro. "Estaba loco," declaraba Dennis Farina. En la escena en la que Avi y Tony van a por el diamante a la tienda de Vincent y Sol, el perro atacó realmente a los actores, pero Ritchie decidió seguir rodando. En otra escena, aquella en la que el perro se vuelve loco dentro del coche con Vincent, Sol y Tyrone, mordió en la entrepierna a Lennie James, aunque no le causó ninguna lesión grave. Después de esa escena fue reemplazado por otro perro.
Y no fue el único percance que sufrió Lennie James, el actor se golpeó a si mismo en la entrepierna con una escopeta en la escena del atraco a la casa de apuestas, cuando trata de hacer un agujero en la pared, pero el actor continuó la escena como si nada. Ese momento se mantuvo en el montaje final de la película.
Originalmente Snatch no tenía un verdadero final. "Lo estaba forzando y forzando, y entonces decidí dejarlo pasar y remediarlo cuando estuviera editando," contaba el director. Ritchie necesito dos días para rodar nuevas tomas y así darle un final adecuado a la historia.
Ritchie dejó el montaje de la película en manos de su editor y éste creo una primera versión de tres horas, el cual no gustó al director. "No me pareció entretenido en lo más mínimo," declaraba Ritchie. El director despidió al montador y dos semanas después contrató a Jon Harris (Kingsman: Servicio secreto) que fue recortando la película. "Seguía tratando de mantener [todas las historias] allí, pero la película me obligaba a deshacerme de ellas," admitía el director, así la película terminó con una duración de una hora y cuarenta y cuatro minutos. Según Ritchie, "cuanto más rápida se convirtía, mejor era."
La banda sonora es uno de los puntos fuertes de la película y está llena de grandes temas como, "Golden Brown" de The Stranglers, "Angel" de Massive Attack o "Fuckin' in the Bushe" de Oasis. Y uno de ellos es "Lucky Star" de Madonna, pareja de Ritchie por aquel entonces. Inicialmente el director quería usar "Rivers of Babylon" de Boney M., pero le pidieron una gran cantidad de dinero por ella, y al final escogió ese tema de Madonna. Ritchie admitió que terminó pagando el doble por "Lucky Star" de lo que hubiera pagado por "Rivers of Babylon", nada menos que 1 millón de dólares.
La Columbia tuvo problemas con el título de la película, que puede traducirse como coño. El co-vicepresidente de la 'Columbia TriStar Motion Picture Group' declaró que, "tuvimos un debate muy serio sobre si cambiarlo por "Snatched" por miedo a la vulgaridad." Al final prevaleció el título original ante la negativa de Ritchie a cambiarlo.
Antes de su estreno, la película fue investigada por la "Sociedad Real para la Prevención de la Crueldad contra los Animales" (RSPCA), ya que sospechaban que varios perros y liebres habían sido maltratados durante el rodaje. Y en el caso de las liebres, creían que varias habían muerto atacadas por perros al rodar la escena de la cacería. Sin la aprobación de la RSPCA la película no podía ser estrenada, por lo que los productores tuvieron que demostrar ante una comisión de censura que ningún animal fuera maltratado durante el rodaje, pero al no haber pruebas de dicho maltrato todo el asunto quedó cerrado y la película pudo estrenarse en cines.
Pero no fue el único problema legal en el que se vio envuelta Snatch, sólo unas semanas después, los escritores Cass Pennant y Neil Bowers demandaron a Ritchie, Vaughn y su productora SKA Films, porque según ellos aportaron la inspiración para el personaje de Mickey y habían utilizado una historia sobre peleas ilegales ideado por ellos. Consideraban insuficientes las 2.000 libras que recibieron como asesores de la película (cuyo trabajo al parecer, no había sido tenido en cuenta por la producción) y reclamaron un pago de 50.000 libras. 
La première de la película tuvo lugar en Reino Unido el 23 de agosto del 2000, para pasar a la distribución en salas el 1 de septiembre del mismo año. Recaudó en tierras británicas 12.137.698 de libras. Por su parte, el estreno en los Estados Unidos fue el 6 de diciembre del 2000 de forma limitada, para conocer una distribución masiva en salas el 19 de enero de 2001. En Norteamérica recaudó 30.328.156 de dólares. Siendo la recaudación final a nivel mundial de 83.557.872 de dólares. En resumidas cuentas, todo un éxito.

ESCENAS ELIMINADAS
En la versión en DVD se incluyen seis escenas cortadas del montaje final. Son las siguientes:
1. Turco y Tommy van a un pub para hablar con "El ladrillo". Aunque la escena le gustaba a Ritchie, decidió finalmente cortarla.


2. Sol, Vinny y Tyrone tratan que Franky Cuatro-Dedos abra su maletín, antes que Boris venga a recogerlo. Franky consigue abrirlo y coge de su interior el revolver que Boris le dio. Torpemente se cae de la silla en la que está sentado y cuando va a disparar a Tyrone, el revolver resulta no tener balas. Ritchie la eliminó porque según él no aportaba nada a la historia.


3. Errol y John hablan con Mullet para tratar de descubrir quien trató de robar en la casa de apuestas. Ritchie decidió eliminarla porque ralentizaba la película y fue sustituida por la escena del vídeo de seguridad que descubre a los responsables del atraco.


4. Tony y Avi van al pub de "El ladrillo" para reunirse con él. Errol les causa problemas y Tony tiene que desenvainar una espada para poner a los secuaces de "El ladrillo" a raya. Fue la primera escena que rodó Dennis Farina.


5. "El ladrillo" trata de venderle a Avi el diamante que le dieron Sol y Vinny. Después de examinarlo Avi se da cuanta que es falso y lo rompe tirándolo contra una pared. Por su parte, Sol y Vinny están atrapados en la oficina de "El ladrillo" y tratan de escapar. Y Tony y Errol tienen otro confrontamiento, que termina con el primero meando sobre el segundo.


6. Sol y Vinny van al campamento de gitanos para tratar de encontrar al perro, pero Mickey les dice que el perro no está allí.

VALORACIÓN
A finales de los 90, Guy Ritchie se inventó un género nuevo, al que sólo pertenecen tres películas, Lock and stock (1998), Snatch (2000) y RocknRolla (2008), y que podríamos denominar como "comedia coral criminal londinense". Y dentro de este universo particular es cuando mejor ha funcionado su cine, fuera de esas tres películas, el director nunca ha brillado de igual forma.
Ritchie es un director muy dotado visualmente, sólo hay que ver la pelea final de Mickey para darse cuenta de su gran dominio con la cámara. La película es un recital continuo de lo que es dirección, la cual bebe mucho del mundo del videoclip y de la publicidad. Sólo en los seis primeros minutos de película tenemos tres momentos que nos dejan con la boca abierta. La introducción de los atracadores disfrazados de judíos seguidos mediante cámaras de seguridad, el propio atraco en si (todo un chute de adrenalina) y la presentación de todos los personajes mediante encadenados mientras suena "Diamond" de Klint. Y es sólo el comienzo, porque después la película no decae ni un segundo. Y es que aquí Ritchie firmó su mejor trabajo como director.
Ritchie creó una película con las mismas coordenadas cinematográficas que Lock and stock, pero perfeccionando lo puesto en práctica en aquella (excelente) película.
Todas las escenas están siempre apoyadas por un gran uso del montaje, una seña de identidad del cine de Ritchie. Es toda una gozada ver como se construyen algunas escenas. Como ese genial momento en que se cuenta un accidente de coche desde tres puntos de vistas diferentes y entremezclados. O la explicación del Turco sobre las carreras de liebres contada en diferentes localizaciones, pero creando una narración continua.
Y no sólo la puesta es escena de Ritchie está llena de ideas originales e inventivas, es que además su guión no se queda atrás comparado con su trabajo detrás de las cámaras. El libreto está lleno de grandes frases y diálogos (como el monólogo de "El ladrillo" sobre como deshacerse de un cadáver). El director crea además personajes carismáticos, que están interpretados por actores carismáticos. Statham ya empezaba a entrever la estrella que llegaría a ser. Nadie como Farina podría soltar un, "Tengo acidez Tony, haz algo gordo," como él lo hace. Vinnie Jones nunca ha estado mejor como actor. Benicio del Toro sólo necesita unos minutos de pantalla para hacer memorable a su personaje. Alan Ford resulta odioso en cada una de sus odiosas apariciones. Y Brad Pitt se convierte en todo un robaescenas.
Por su parte, el apartado musical está la altura del resto de la película, con temas muy bien escogidos, que encajan como un guante con las imágenes a las que acompañan.
La película se sumaba a una nueva ola del cine que trataba de buscar caminos visuales y narrativos para contar una historia, del mismo modo que hicieron Reservoir dogs (1992) y Memento (2000).
Pero es la combinación de humor y violencia lo que hace especial a la película, pocas veces ambos elementos han encajado mejor en una pantalla de cine. Los momentos cómicos se suceden uno tras otro, haciendo que nos partamos de risa sin importar la brutalidad impregna a la película, ya sea a base de ese gag recurrente del perro haciendo los sonidos del muñeco que se tragó, el atraco frustrado de Vinny y Sol a la casa de apuestas, ver a Tyrone tratando de aparcar un coche o a Tony intentando matar repetidamente a Boris sin conseguirlo.
Una de las cosas que más me gustan de la película es que no tiene un verdadero final, siendo éste abierto y circular al mismo tiempo. Y otra es que es de lo más impredecible,  nadie ve venir que Mickey vaya a dejar ko al primer boxeador de "El ladrillo" con su primer puñetazo o que Avi mate sin querer a Tony. Además guarda otra gran idea, que todos los personajes de la película son negativos (hasta el perro), todos son delincuentes, no hay cabida en el mundo de Snatch para la gente buena.
Snatch ametralla al espectador con imágenes e ideas, haciendo que sus 104 minutos de duración pasen tan rápido como un combate de Mickey. Su mayor pretensión es hacer pasar al público un rato divertido mostrando los bajos fondos londinenses, algo que consigue con creces. Ritchie consolidó las bases de su cine y su universo cinematográfico con su segunda película. Aquí creó una obra salvajemente divertida e hilarantemente violenta, toda una genialidad, y es que Snatch es un diamante en bruto.

CURIOSIDADES
La palabra "fuck" es dicha 163 veces.
Prácticamente todas las muertes de la película tienen lugar fuera de cámara.
El body count de la película asciende a 26 muertos.
"Snatch" significa robo, pero también puede traducirse como coño, de modo que cuando la película se estrenó en Gran Bretaña los carteles indicaban: "Snatch opening wide this fall", lo que podría traducirse por "Coño abriéndose por todas partes este otoño".
Se puede ver un póster de The Warriors (1979) en una pared en la escena de la muerte de Tony.
La banda de hardcore "Cold War from Orange County, California" utiliza varias frases de la película en varias canciones de su disco "From Russia With Love".
El pub donde Tony es abordado por Sol, Vinny y Tyrone es el pub "The Winchester" de la película Shaun of the Dead (2004). 
Boris saca un cuchillo de carnicero de su cinturón, al igual que Soap en Lock and stock.
Guy Ritchie tiene un cameo, se le puede ver en la escena en la que se introduce a Doug el cerebro, es el hombre que está leyendo el periódico al fondo del bar.

Dado que el personaje de Mickey no es demasiado limpio, Brad Pitt decidió lavarse poco durante el rodaje.
El hombre al que Vinnie Jones golpea en la cabeza con la puerta de un coche es Tom Delmar, el coordinador de especialistas y director de las peleas de la película, quien se ofreció voluntario para la escena.
Franky Cuatro-Dedos cambia cuatro veces de vestuario mientras habla con Avi por teléfono.
Durante los títulos de crédito, los ladrones discuten sobre la Virgen María, esto es una referencia a la famosa conversación de Reservoir Dogs (1992) sobre el "Like a Virgin" de Madonna.
El director de fotografía de la película, Tim Maurice-Jones, tiene un cameo en la película, es el hombre que es golpeado varias veces en la cabeza por Franky Cuatro-Dedos en el atraco. En Lock and stock tuvo otro cameo, donde corría una suerte similar, era el hombre al que Barry ahoga al principio de la película.
Vinnie Jones trata de abrir al perro con un cuchillo para conseguir el diamante que se ha tragado y en 60 segundos (2000) trata de hacer lo mismo con un perro que se ha tragado la llaves de un coche.
La pelea entre Mickey y Bomber Harris, en la que el segundo golpea al primero antes que suene la campana, entonces Mickey observa la sangre en su guante y después deja K.O. a Harris de un puñetazo, es idéntica a otra que tuvo lugar entre los boxeadores Lenny "The Guv'nor" McClean y "Mad Gypsy" Bradshaw. McClean tuvo un papel en Lock and stock y murió en 1998.

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Saturday, March 03, 2018

Robot jox

"Choca y fulmina."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras la Tercera Guerra Mundial, las dos grandes potencias del mundo resuelven sus disputas mediante combates entre robots gigantes. Aquiles, el mejor luchador del Mercado, se ve implicado en un accidente durante un combate, que le cuesta la vida a cientos de personas. El luchador decide dejar de luchar, pero deberá volver al campo de batalla antes de lo esperado.


ROBOT VS ROBOT

"Soy un gran fan de los juguetes de Transformers, así como de Macross y otros animes de robots gigantes. Estuve esperando por una película japonesa en imagen real que fuera realizada ofreciendo este concepto asombroso, pero nunca sucedió. Así que decidí hacerla yo mismo," recordaba Stuart Gordon sobre el origen de Robot jox (Robot Jox, 1989).
El director tenía un contrato por tres películas con Empire Pictures (las dos primeras habían sido Re-Sonator y Dolls) y convenció a Charles Band, presidente de la misma, para financiar su película sobre mechas. Estaba claro que la película sería la mayor producción de la productora.
"La llamé "Robojox", jox viene de "fighterjox", una expresión popularizada en Top Gun," explicaba Gordon. "El argumento vino de "La Ilíada" de Homero [...] y se vuelve a contar la historia del gran guerrero Aquiles quien rechaza luchar, pero es forzado a salir al campo de batalla cuando su amante roba su armadura y es asesinado luchando en su lugar."
Lo primero que hicieron fue rodar la escena de apertura, la cual sería utilizada para tratar de vender el proyecto y conseguir así dinero para financiarlo. Para ello llamaron al experto en stop-motion, Dave Allen (El secreto de la pirámide, Nuestros maravillosos aliados). Tardaron seis meses en completar la escena y ésta quedó perfecta.
Ron Cobb (AlienEn busca del arca perdida) fue el encargado de diseñar a los robots gigantes que poblarían la película. "Queríamos una versión no japonesa de un robot transformer, que es muy, muy inteligente tecnológicamente hablando," declaraba el diseñador. "No íbamos a hacer que se convirtieran en semi-camiones o algo así, pero íbamos a tener que separarlos y operarlos en diferentes funciones y modos. [...] Estaba muy intrigado en diseñar las cabinas y como los movimientos interactivos del cuerpo eran traducidos por telemanipuladores al robot entero. Traté de pensar en una razón para la transformación. Si pudiera traducirse en diferentes modos de lucha, eso podría tener sentido." Y bajo esa premisa crearon los espectaculares mechas vistos en la película y dieron pie a sus transformaciones. Una vez Cobb tuvo que abandonar la producción debido a otros compromisos, Steve Burg continuó con su trabajo.
Se comenzaron a construir los decorados en los estudios que la Empire tenía en Roma. Allí se erigieron a escala real los pies gigantes de los robots y sus cabinas de control, obra del diseñador de producción Giovanni Natalucci.
En paralelo Gordon desarrollaba el guión, y aunque su colaborador habitual, el guionista Dennis Paoli escribió varios borradores, al final Gordon llamó al escritor Joe Haldeman, autor del clásico "La guerra interminable". Gordon le envió el tratamiento que había escrito, el cual Hadelman tomó como punto de partida. El escritor llegó a escribir hasta seis borradores del guión. Y aunque Hadelman tiene un buen recuerdo de trabajar con Gordon, su relación no fue todo lo buena que cabría desear y tuvieron varios enfrentamientos durante la realización de la película. "La mayoría tenía que ver con el tono de la película," explicaba Gordon. "Imaginé una audiencia de chicos de 10 años y Joe estaba escribiendo para una audiencia adulta. Mi esperanza ha sido siempre que ambas edades pudieran disfrutar la película." 
Por su parte Haldeman explicaba que, "trataba de transformar la ciencia en algo razonable, Stuart trataba de transformarla en material de dibujos de los sábados por la mañana. Trataba de hacer personajes creíbles y razonables, y Stuart seguía insistiendo en ofrecer clichés y caricaturas. Era especialmente molesto porque era una historia sobre soldados y yo era la única persona que había sido uno."
Tras entregar su guión, Handelman recibió un nuevo guión reescrito por otra persona, el escritor sorprendido y decepcionado por la calidad del mismo, escribió una carta a Gordon explicándole porque no debería utilizarlo. El escritor no supo nada más, hasta lo que lo llamaron en diciembre de 1986, diciéndole que estaba en lo cierto y que querían que él escribiese el guión final. Sólo unas semanas después Hadelman se encontraba en Roma trabajando en el guión, el cual escribió desde cero palabra por palabra.


RODAJE

En febrero de 1987 comenzó el rodaje en Roma, partiendo de un presupuesto de 10 millones de dólares, aunque Gordon siempre ha mantenido que fueron sólo 6.
Y una vez los robots estaban listos, faltaban los actores que los acompañarían dentro y fuera, y los papeles recayeron en Gary Graham (como el protagonista Aquiles), Anne-Marie Johnson (dando vida a Atenas), Paul Koslo (como Alexander, el villano de la función), Michael Alldredge (en el papel de Tex Conway), Robert Sampson (encargado de interpretar al Comisionado Jameson), Danny Kamekona (en la piel del Dr. Matsumoto), Hilary Mason (quien interpretó a la Profesora Laplace) y Jeffrey Combs (realizando un pequeño cameo como favor a Gordon).
Siguiendo con la leyenda de Aquiles, Atenas tenía que robar la armadura de Aquiles, por lo que ambos debían tener la misma altura, según sus curriculums Anne-Marie Johnson y Gary Graham medían 1,8 metros, pero cuando juntaron a los actores, ella era más alta, descubriéndose que Graham había mentido en su altura y medía realmente 1,78 metros. Después de aquello, el actor fue conocido en el rodaje como Gary "Shorty" Graham.
Ambos actores no hicieron buenas migas desde el principio. Durante una cena descubrieron que tenían creencias políticas diferentes, ella era de inclinación marcadamente liberal y él era un feroz conservador. Gordon creyó que ese odio ayudaría a sus primeras escenas, donde ambos personajes no se llevan bien. Graham y Johnson fueron auténticos profesionales y no dejaron que sus diferencias afectasen al rodaje.
Johnson, por su parte, tuvo que raparse el pelo para dar vida a su personaje y tuvo que entrenar con luchadores profesionales, ya que se encargó de realizar la mayoría de sus escenas de lucha y de riesgo.
La secuencia más difícil de rodar con los actores fue la "Sala de la sacudida", una prueba a la que son sometidos Atenas y el resto de probetas, en la que tienen que trepar por una estructura que vibra violentamente y entre otras lindezas, también da descargas. La estructura fue diseñada por Ron Cobb y según Gordon, "la secuencia era mortal y muy peligrosa, era una combinación de trabajo de especialistas y acción en vivo, con los actores haciéndolo ellos mismos. Fue una secuencia muy larga y difícil de filmar."
Una vez rodadas las escenas con los actores, tocaba el turno de las escenas de los robots. Allen decidió que era mejor rodar las batallas en el desierto de Mojave en lugar de en un estudio, como había hecho con la escena de apertura. Según él, la luz natural le daría a la cámara una gran profundidad de campo, haciendo que elementos pequeños estuvieran cerca de la cámara parecieran enormes y otros más alejados darían la impresión de ser pequeños, estando ambos siempre enfocados en el mismo plano.
Para los efectos stop-motion, los tamaños de los robots iban aproximadamente desde los 1,6 metros del más alto, a 45 centímetros del más pequeño.
Tras hacer unas pruebas de lo más satisfactorias en el techo de los estudios Empire, Allen y su equipo se desplazaron a Mojave. Pero rodar sus escenas no iba a ser tarea fácil, de hecho, de los tres meses previstos, terminaron tardando un año. Sucedió de todo, desde tormentas de arena, inundaciones, golpes de calor, roturas de cámaras o películas derretidas.
Y si los problemas no fueran suficientes, recibieron una carta de la productora Orion, que les amenazaba con demandarles si utilizaban el título de Robojox, ya que se parecía demasiado a RoboCop (1987), película que la productora acababa de estrenar. Al final decidieron modificar levemente el título, por el definitivo Robot jox.
Pero los problemas no terminaron ahí, mientras la película se encontraba aún rodando las escenas de efectos, la Empire cayó en bancarrota. "Las razones de la súbita caída de Empire fueron imprecisas," admitía Gordon. "Expansión excesiva, demasiadas producciones, y el descenso de la lira italiana." Fuera la razón que fuera, significó el fin del imperio de Charles Band y marcó el devenir de Robot jox.
La historia recuerda a Robot jox como la culpable del hundimiento de Empire, pero Gordon siempre se ha encargado de desmentirlo. "Empire tenía otras once películas en producción al mismo tiempo. De hecho, siempre creí que Robot jox era la película podría haber salvado Empire. Pero el banco, Credit Lyonnais, había demandado que la línea de crédito fuera pagada de inmediato y a Empire le fue denegado el tiempo para encontrar nuevos fondos. El banco tomó todo los activos de Empire, uno de las cuales resultó ser la película en la que llevábamos trabajando desde hacía casi tres años."
Al no pagar el préstamo de 26 millones de dólares que debía, en mayo de 1988, Empire Pictures fue embargada por Credit Lyonnais. Epic Productions, productora propiedad del mismo banco, adquirió Empire y el control de sus producciones, lo que incluía a Robot jox. La película entró en un punto muerto, pero después de seis meses de espera y tras revisar el material filmado, sus nuevos dueños decidieron terminarla. La película fue distribuida por Triumph Films, que tenía un acuerdo de distribución con Epic Productions.
Una vez filmadas las escenas restantes, la película estaba lista para su estreno (algo que conseguiría 4 años después del inicio de su desarrollo), pero durante el largo tiempo de producción, había tenido lugar la caída del muro de Berlin y la disolución de la Unión Soviética, algo que afectó a Robot jox, que trataba sobre la Guerra Fría. De pronto la película se había quedado totalmente obsoleta. Incluso la moda de los juguetes Transformers había pasado.
Tal vez todo eso explique que cuando llegó a los cines el 21 noviembre de 1990, la película fuese un rotundo fracaso comercial, recaudando en los Estados Unidos sólo 1.272.977 de dólares. Seguro que tampoco ayudó su limitada distribución, y es que la película sólo se estrenó en 333 salas.
Eso sí, la película fue un éxito en su distribución en vídeo doméstico (según Gordon la película estuvo en el top 40 durante tres meses) y con el paso de los años ha conseguido cierto estatus de culto (sobre todo desde el estreno de Pacific Rim, que guarda varias semejanzas con ella).


VALORACIÓN

Robot jox es una película realmente maltratada y está completamente olvidada, es cierto que no es ninguna maravilla, pero hay que saber reconocer sus méritos, desde su original planteamiento (fue la primera película sobre robots mecha en imagen real), sus correctos efectos visuales (las miniaturas son fantásticas para su época) y su nivel de entretenimiento (la película pasa como un suspiro y sus 80 minutos de duración son los justos y necesarios).
Además existen pequeños apuntes que quedan en un segundo plano, pero que son interesantes, como que el gran héroe Aquiles es analfabeto (sólo se le ha entrenado para la guerra, lo importante es matar y no que pueda pensar por si mismo). Esos posters de Prenatal que nos muestran como en este futuro se intenta repoblar la Tierra y se les dan una recompensa a quienes tengan más hijos ("con seis niños nos dan un piso de tres habitaciones," dice la cuñada de Aquiles). O la reminiscencias a "La Ilíada" de Homero.
Pero ahí terminan sus virtudes, creo que su principal problema es que utiliza demasiados clichés y aunque el enfoque es para todos los públicos, estos resultan demasiado tópicos (Alexander es villano de lo más unidimensional, los americanos como los buenos y los rusos los malos, el personaje de Rex con sempiterno sombrero vaquero, etc). Y todo resulta un tanto predecible, se sabe que Tex es el espía desde el principio y aunque se niegue a luchar, está claro que Aquiles terminará haciéndolo.
Otras muchas cosas chirrían, el vídeo del asesinato del Dr. Matsumoto subiéndose en automático para que todos lo vean en el momento justo, el villano pudiendo ver desde las alturas que dentro del robot está Atenas y no Aquiles, los probetas que supuestamente están mejorados genéticamente, pero no hacen nada que lo demuestre (y el personaje de Sargon sólo está ahí para resultar insoportable y recibir una paliza) y algunos diálogos y reacciones son de vergüenza ajena (como el primer encuentro de Aquiles y Tex con la profesora Laplace o las reacciones de ésta al ver como Atenas recibe una paliza). Además el reclutar a tantos malos actores no ayuda al conjunto, sobre todo cuando el mejor de todos (Jeffrey Combs) sólo tiene un cameo.
Para tener un enfoque infantil, hay cosas un poco fuera de tono, el pene motosierra del robot de Alexander, el desnudo de Atenas u otras connotaciones sexuales a lo largo de la película. Simplemente parece que no sabe a que clase de público está enfocada.
Y su planteamiento sobre la Guerra Fría no es muy sutil, más bien parece una caricatura (del todo intencionado por Gordon), está claro que el Mercado son los norteamericanos y la Confederación los soviéticos, siendo los primeros los buenos, mientras que los segundos son los villanos. Además el tratamiento no resulta fresco, cuando se estrenó ya se habían hecho muchas películas sobre la Guerra fría (de hecho, todo recuerda a Rocky IV, pero con robots casi tan grandes como Ivan Drago). Robot jox simplemente llegó demasiado tarde y una vez caído el muro de Berlín, la historia quedó anticuada.
La batalla final sorprende por lo imaginativa de la misma, desde el momento de los robots volando al espacio, el mecha de Alexander con un puño que golpea cual ametralladora (idea recuperada para el Hulkbuster de Vengadores: La era de Ultrón), la transformación que convierte al robot de Aquiles en un tanque o Aquiles disparando el puño del brazo previamente amputado del robot de Alexander. En esos momentos Robot jox sí se convierte en la película sobre mechas que todos queremos ver.
Y los efectos resultan de lo más resultones y efectivos teniendo en cuenta la época y su limitado presupuesto, del cual Gordon saca oro. Se apuesta más por las miniaturas que por los efectos stop-motion, lo cual es un acierto. No brillan de igual modo los decorados, que evidencian que estamos ante una película de serie B.
La película trata sobre el absurdo de la guerra y sobre como ambas partes de un conflicto deberían llegar a un mutuo entendimiento. Tal vez es una mirada simplista, y su final con Aquiles y Alexander haciendo hacen las paces, resulta chocante, por no decir absurdo, pero por lo menos intenta lanzar un mensaje positivo al público, aunque no esté del todo conseguido.
Y es fácil ver su influencia en Pacific Rim, que viene siendo un versión aumentada (y mejorada) de esta película. Además se adelantó a Starship Troopers al mostrar una sociedad en la que se ha perdido la identidad en los sexos, como demuestra la escena en la que Atenas se va a la ducha con el resto de probetas.
Robot jox es una entretenida serie B, orgullosa de sí misma, pero con unas aspiraciones mayores que su reducido presupuesto y el estudio donde se originó, le permitían. Es superior a la media de productos de la Empire y también está enfocada a un mayor público. Gordon demuestra una vez más su buen oficio y que sabe como crear un producto desprejuciciado y divertido. Un cómic en imagen real con robots gigantes batiéndose el cobre, que desde su estreno ha estado luchando para buscar su lugar en el cine. Aún le quedan varias batallas para conseguirlo.


CURIOSIDADES

Joe Haldeman oyó por primera vez la frase "choca y fulmina", como un saludo entre corredores de motos en un evento de Speedweek.
Estaba previsto que existiese una secuencia submarina, donde se mostraría otra transformación de los robots.
Los gritos de los espectadores siendo aplastados por el robot de Aquiles, fueron utilizados en la canción "The Becoming" de Nine Inch Nails.
Los parches militares que llevan Aquiles y Rex en sus trajes, incluyen parches reales como el de la División 101ª Aerotransportada Ejército EE.UU. y la del 18º Cuerpo Aerotransportado.
Aunque Charles Band estrenó bajo su sello Full Moon Entertainment Crash and Burn (1990) y Robot Wars (1993), películas directas a vídeo de temática similar a Robot jox, y que en algunos países se promocionaron como sus secuelas, aunque realmente no lo son.
Stuart Gordon tiene un cameo como el camarero del bar que regentan los jox.
La idea para la secuela era la lucha entre mechas y aliens.
La película se pudo por primera vez en el Festival de Cine de Sitges de 1989.

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Thursday, February 01, 2018

Gattaca

"Jamás me reservé nada para la vuelta."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En el futuro, la humanidad es creada genéticamente. Un hombre que nació de forma natural y que es considerado inferior, sueña con ser astronauta, y para conseguirlo usurpa la identidad de otro hombre.

EL OCTAVO DÍA
Tras más de 10 años dirigiendo anuncios, el debut como director cinematográfico del neozelandés Andrew Niccol, debería haber sido El show de Truman (1998), película de la cual había escrito el guión. Pero cuando la película se presupuestó en 80 millones de dólares, la inexperiencia de Niccol provocó que el estudio buscara a un director de confianza y contrataron a Peter Weir. En aquel momento la jefa del estudio le dijo a Niccol que si fuera capaz de hacer una película que costara 20 millones sí le dejarían dirigirla, siguiendo ese consejo, el director se puso manos a la obra para escribir una producción más modesta, y así surgió Gattaca (Gattaca, 1997).
Originalmente el guión se titulaba "The Eighth Day", en referencia a los siete días de la creación según la Biblia y su epicentro era la genética, un tema que empezaba a ser candente por aquel entonces. "Estaba sorprendido que esta clase de historia no hubiera sido escrita antes y porque [la tecnología] se está acercando rápidamente," declaraba Niccol. La idea para la historia vino al director cuando se dio cuenta que el ADN podría determinar el futuro de las personas, "pensé, '¿y si decides no vivir por ese código?'," recordaba Niccol.
El director consiguió la financiación gracias a Danny DeVito y su productora Jersey Films y a la Columbia Pictures, quienes pusieron los 36 millones de dólares que terminó costando la película.
De su reparto principal, Uma Thurman fue la primera en ser contratada, lo que ayudó a que la película consiguiera financiación. El guión le llegó a través de su agente e impresionó a la actriz, y eso que su papel no era muy grande. "Fue un papel difícil por que siempre lo estaban cambiando, como hacen con las películas," recordaba la actriz. "Pero estaba impresionada con él [Niccol]. Me senté con Andrew y él vino con su maleta llena de imágenes e ideas, y pude ver que era auténtico. Era alguien especial así que quise hacer una película con él. Así fue como sucedió." La actriz cobró un cheque de 5 millones de dólares por interpretar a Irene.
Después de tener a Uma en el reparto, se unió Ethan Hawke, quien daría vida a Vincent Freeman, el protagonista de la historia. A Hawke le interesó el proyecto porque, "no es muy común hoy en día encontrar historias con metáforas, en general los guiones son literales y no van más allá de las palabras. [...] Pero Gattaca tiene muchas metáforas y da espacio a varias interpretaciones."
El papel de Jerome Eugene Morrow se le ofreció a Johnny Depp, quien lo rechazó para hacer The brave (1997). Y fue a parar al por aquel entonces ascendente Jude Law, quien realmente se entusiasmó con el proyecto. "Cuando leí el guión, tan pronto terminé la última página, comencé a leerlo de nuevo desde el principio. Es la única vez que lo he hecho," declaró el actor. Esta película supuso un punto de inflexión en su carrera, "fue la primera vez que estaba haciendo un guión en el que creía y que vi en la pantalla algo cercano a lo que yo esperaba, en lugar de ese desierto de vaga confusión de mis trabajos hasta ese punto," recordaba el actor británico. Law se metió totalmente en su personaje (sin ser un actor del método) y se mantuvo durante todo el rodaje sentado en la silla de ruedas de su personaje. Niccol no había previsto contratar a un actor británico, así que modificó el guión para adaptarlo a la nacionalidad de Law.
El resto de su impresionante reparto le dieron forma, el escritor Gore Vidal (como el Director Josef), Xander Berkeley (en el papel del Dr. Lamar), Jayne Brook y Elias Koteas (como los padres de Vincent), Blair Underwood (interpretando a un geneticista), Ernest Borgnine (dando vida a Caesar), Tony Shalhoub (en el papel de German), Alan Arkin (en la piel del detective Hugo), Loren Dean (como Anton, el hermano de Vincent) y Dean Norris (en un pequeño papel de policía).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar entre el 22 de abril de 1996 y el 16 de julio del mismo año, en diferentes localizaciones de California, como Los Angeles, San Rafael o Pomona.
El Marin County Civic Center (último edificio creado por Frank Lloyd Wright) en San Rafael, se convirtió en la sede de la Gattaca Corporation. Según Niccol, lo escogieron porque, "era de un período en el que la gente era optimista sobre el futuro. Eso ya no existe. También las curvas del edificio realmente ayudaron, así que cuando diseñamos los decorados, podríamos reflejar todas esas curvas." Para los exteriores del edificio en el que viven Vincent y Eugene se utilizó el "Edificio CLA" de la "Universidad Estatal Politécnica de California". La Presa de Sepúlveda en Los Angeles, se utilizó para la escena en el que Vincent e Irene pasean delante de unos grandes arcos. Y la escena de la planta fotovoltaica fue filmada en "Kramer Junction Solar Electric Generating Station" en Boron.
Fue un rodaje que transcurrió sin menores incidentes y donde sus tres protagonistas se llevaron de maravilla. Tanto, que Ethan Hawke y Uma Thurman se convirtieron en pareja a raíz del rodaje.
Niccol les dio una gran libertad a sus actores y durante el rodaje, "nos mantuvimos improvisando, reescribiendo escenas y eliminando cosas," comentaba Law.
Las limitaciones presupuestarias fueron una de las máximas durante la post-producción y rodaje de Gattaca, y sus consecuencias fueron entre otras, cambios en el guión. Inicialmente el personaje de German tenía un sofisticado ordenador que mostraba todos los posibles emparejamientos para Vincent partiendo de varios archivos. Como su coste era muy alto, optaron porque German portase viales con sangre con diferentes posibilidades, según los requerimientos de su cliente. Una solución más económica y "mucho más visceral," según Niccol.
Con muy poco, el diseñador de producción Jan Roelfs (Orlando) ayudó a hacer realidad el futuro imaginado por Niccol. La creación de los coche futuristas es un buen ejemplo de ello. "Es muy difícil diseñar el coche del futuro, especialmente cuando no tienes al dinero para hacerlo," recordaba Niccol. Así que a la hora de crear los coches futuristas decidieron mirar al pasado y utilizar los viejos Studebaker Avanti de 1963, ya que, "es un coche que estaba muy adelantado a su tiempo," afirmaba el director.
Y esa carencia de dinero fue la que les obligó a ingeniárselas para darle a la película el look futurista que necesitaba, algo que consiguió el director de fotografía Slawomir Idziak (Black Hawk derribado) colocando filtros en la cámara para darle un intenso color amarillo a las imágenes, algo que según Niccol, "cambió el aspecto de cualquier característica contemporánea que se perdió delante de la cámara."
Para componer la banda sonora, Niccol contrató a Michael Nyman, quien compuso una excelente partitura. Según el compositor, "Niccol fue muy preciso sobre el tipo de música que quería para Gattaca."
El estreno en Estados Unidos en 1997 de la película belga El octavo día (1996) provocó el cambio de título de, así que "The Eighth Day" se convirtió en Gattaca. El origen del nuevo título son las siglas de los nucleótidos que componen la cadena del ADN [denina (A), guanina (G), timina (T) y citosina (C)].
La película apenas fue promocionada antes de su estreno (el 24 de octubre de 1997), por una decisión del jefe del estudio, quien según Hawke, "no creía que la película fuera tan buena." Tal vez eso explique su tibia recepción en la taquilla, recaudando en los Estados Unidos sólo 12.532.777 de dólares.
A la hora de los premios no tuvo mucha más suerte. La Academia de Hollywood sólo la nominó en la categoría de mejor dirección artística (Jan Roelfs y Nancy Nye), cuando la lista de nominaciones que merecía debería haber llegado hasta Titán. Y fue nominada a los Globos de oro en la categoría de mejor banda sonora original (Michael Nyman).

ESCENAS ELIMINADAS
Fueron varias las escenas que fueron consideradas "no válidas" para el montaje original de la película, estas escenas eliminadas fueron recogidas en la ediciones de DVD y Blu-Ray, y son las siguientes:
1. Caesar se encuentra a Vincent estudiando y le aconseja que deje de hacerlo, y que acepte la vida que tiene.


2. Antes de viajar a Titán, Vincent se despide de Caesar y le deja dentro de su taquilla un telescopio.


3. Originalmente la escena del "Eight Day Center" era un poco más larga y el geneticista le ofrecía a los padres de Vincent la posibilidad de mejorar aún más el futuro de Anton, a cambio de 5.000 dólares. Pero tienen que rechazarlo al ser demasiado dinero.


4. El Director Josef realiza un informe sobre la inminente misión a Titán, pero es interrumpido por Irene quien le comunica que los investigadores quieren comenzar sus pruebas con todos los miembros de Gattaca.


5. El Detective Hugo le revela a Anton que sabe que es el hermano de Vincent.


6. Se muestra una serie de personas famosas que podrían no haber nacido si se hubiera descifrado el ADN humano antes y se indica las enfermedades o trastornos que padecían. Abraham Lincoln (síndrome de Marfan), Emily Dickinson (depresión maníaca), Vincent van Gogh (epilepsia), Albert Einstein (dislexia), John F. Kennedy (síndrome de Addison), Rita Hayworth (Alzheimer), Ray Charles (glaucoma primario), Stephen Hawking (esclerosis lateral amiotrófica) y Jackie Joyner-Kersee (asma). Y termina con la frase, "por supuesto, el otro nacimiento que pudo no haber tenido lugar es el tuyo."


VALORACIÓN
Niccol no podría haber tenido un debut mejor como director, sorprende la seguridad de su puesta en escena y la claridad de exposición de sus ideas, consiguiendo al mismo tiempo deslumbrar y emocionar con una historia tan sencilla como humana.
Y es de la humanidad de lo que nos habla el director a través de su soberbio guión, esa innata condición humana de sacar lo mejor de uno mismo. La voluntad a prueba de hierro de Vincent refleja lo mejor del hombre, de lo lejos que puede llegar uno si se esfuerza en algo, si cree en ello. Si como dice Vincent en el mejor momento de la película, uno jamás se reserva nada para la vuelta.
Gattaca también nos habla de hacer realidad los sueños por imposibles que parezcan. Vincent se niega a vivir según las reglas que le han impuesto, decide gobernar sobre su propio destino. Hará lo imposible para hacer realidad su sueño, desde cortarse las piernas, hasta cruzar una carretera a ciegas (un momento de tensión de lo más conseguido). El protagonista encuentra su lugar en el mundo, el cual está fuera de él, a millones de kilómetros. Vincent hace honor a su apellido (Freeman) y es realmente un hombre libre, tal vez el único de esta utopía futurista. Un futuro aséptico, frío, e imperfecto de tanta perfección.
La película también trata de las diferencias de clases, que aquí no se basan en el color de la piel o el dinero, si no en las condiciones genéticas. Siendo los que se consideran "no validos", lo más bajo de esta nueva sociedad, en la cual un insignificante pelo puede cambiar tu vida. Cuando Vincent se convierte en astronauta nadie lo reconoce de sus tiempos como limpiador, ya que nadie se paraba a mirarle, era alguien invisible.
Eugene lo tiene todo para triunfar, podría llegar tan lejos como quisiera, pero se boicotea a si mismo, tal vez la carga de la perfección es demasiado alta. Y por eso disfruta de ser Vincent en la escena que se tiene que hacer pasar por él ante Irene y Anton (aunque irónicamente se hace pasar por si mismo), mostrando quien podría haber sido. Ésta es de paso una de las mejores escenas de la película, con ese brutal momento en que Eugene tiene que subir por la escaleras y el impagable instante en el que consigue un beso de Irene.
Cuanto más se hace pasar por Eugene, Vincent más es él mismo, ya que ocupa el lugar que realmente se merece, más le demuestra a todos de lo que es capaz teniéndolo todo en contra. Vincent se realiza a través de Eugene, y vicerversa, es una relación simbiótica, en la que dos hombres incompletos forman un solo hombre perfecto.
Eugene se convierte en el verdadero hermano de Vincent. Anton no quiso ser su hermano de sangre cuando eran niños y en cambio Eugene le da literalmente su sangre para que pueda cumplir su sueño, primero por dinero, pero después para sentirse realizado a través de él, "me enorgullezco de ti", le llega a decir en un momento de la película. Incluso Eugene fue un consumado nadador, como también lo es Anton. De esa forma Eugene termina ocupando el lugar de Anton.
Irene y Vincent encajan porque ambos son imperfectos, sus frágiles corazones les unen. Ella le ayuda porque se demuestra a si misma que alguien que es considerado inferior puede llegar tan lejos como cualquier "válido".
Gattaca es rica en detalles, entre mi favoritos se encuentran, la desgarradora escena en la que padre de Vincent se niega a ponerle su nombre en el momento de su nacimiento, por no ser perfecto.  El de Vincent borrando su nombre del marco de la puerta después que su padre le mida a él y a su hermano, algo que realmente hace cuando es mayor, borrarse del mundo. Vincent al final de la película se encuentra a Anton sentado en su escritorio, ocupando el lugar que podría estar destinado a ser suyo, pero que Vincent a base de esfuerzo se ha ganado ocupar. Cuando Irene descubre el secreto de Vincent, tras engañar a Anton, Vincent aparece justo por detrás de Eugene, como si saliera de éste, como si formara parte de él.
Otro elemento de interés es que nunca se especifica el año en que acontece la historia, simplemente es el futuro y es un acierto, ya que la hace atemporal.
Y es que todo funciona en la película, los actores están fantásticos (sobre todo Hawke y Law), la fotografía es de lo más preciosista, el diseño de producción es elegante y atractivo en su sencillez, y la banda sonora merecería un artículo para ella sola, siendo una de las mejores partituras de Nyman, y que ya forma parte del ADN de la película.
Como Vincent, la película es perfecta en su imperfección, la suma de sus virtudes es muy superior a la de sus escasos defectos (toda la trama detectivesca se resuelve de una forma demasiado sencilla y carece de la fuerza necesaria). Gattaca es tan buena como cualquier película y mejor que la mayoría, es toda una obra maestra.

CURIOSIDADES
Primera película de Maya Rudolph.
En una votación fue nombrada por la NASA como la película de ciencia ficción más correcta jamás realizada. 
Como comentaba antes, Ethan Hawke y Uma Thurman se convirtieron en pareja a raíz del rodaje de esta película, se casaron en 1998 y se divorciaron en 2005. 
La sinuosa escalera del apartamento de Eugene tiene una estructura helicoidal como el ADN.
El coche de Vincent es un Studebaker Avanti de 1963 y el que conduce Irene es un Citroen DS Cabriolet. Los Hoovers conducen un Rover P6.
Dado que Jerome es más alto que Vincent, éste se somete a una operación para aumentar su altura, en la realidad Ethan Hawke es más alto que Jude Law. 
Cuando se estrenó la película y como parte de la campaña de marketing, se publicaron anuncios para que la gente pudiese llamar y hacer que sus hijos fueran modificados genéticamente. Miles de personas llamaron a ese teléfono. 
Hay una breve escena post-créditos, en la que unas uñas caen al suelo a cámara lenta.


La localización del Marin County Civic Center, sede de la Gattaca Corporation, fue también utilizada en la película de ciencia ficción THX 1138 (1971) de George Lucas.
La primera versión del guión no tenía título.
Los anuncios en la sede de la Gattaca Corporation están escritos en esperanto, un idioma artificial inventado a finales del siglo XIX.
El personaje de Uma Thurman se llama Irene Cassini, es una referencia a Giovanni Cassini, un astrónomo italiano del siglo XVII que descubrió cuatro satélites de Saturno (Rea, Dione, Tetis y Jápeto) y la división de los anillos de Saturno que lleva su nombre.
El personaje de Jude Law prefiere que se le llame por su segundo nombre, Eugene. Este nombre viene del griego y significa "el bien nacido", como el propio personaje. Y se crea una relación de su nombre con la eugenesia (eugenics en inglés), que es el estudio y aplicación de las leyes biológicas de la herencia orientados al perfeccionamiento de la especie humana, uno de los temas principales de la película.
Por su parte, el nombre de Vincent significa vencedor.
Ernest Borgnine cumplió 79 años durante el rodaje de la película.
A los agentes del FBI se les llama "Hoovers", pero también es una referencia a una marca de aspiradoras. A lo largo de la película se ve a los agentes aspirando para conseguir pruebas de ADN.
En la escena del restaurante en la que Vincent le habla a Eugene de Titán y llena una copa de vino con humo de un cigarrillo, la canción que suena de fondo es "Nuages" (nubes en francés).
En los escáneres, el icono de los "validos" en un símbolo de infinito, mientras que el de los "no válidos" es una daga, la cual significa extinción y que a su vez recuerda a una cruz. Los "no válidos" son llamados "hijos de Dios" en la película.

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